Por El Dese.

The National Skyline

La historia de The National Skyline es curiosa. Esta banda nace de una canción de 45 minutos que Jeff Dempsey -de la extinta banda HUM- y Jeff Garber -de la también extinta Casto- compusieron. Comenzaron a grabar demos y a lanzarse a conciertos locales, los cuales incluían un juego impresionante de luces.

The National Skyline sigue vivo, lanzando EP’s y no CD’s (mal por El Dese) pero aun con una inventiva que sorprende. Las letras de Garber si bien no son totalmente claras, sí dejan al descubierto sentimientos profundos, dedicatorias a mujeres en específico (una tal Karolina), o bien hablan de las cosas que vivimos en la actualidad (sin denuncia, queja o sugerencia siquiera) pero sí con un dejo de esperanza en que, si bien esto se va a acabar (o nos lo vamos a acabar) viene una nueva época.

Temas clave de la banda en nuestro programa: “Euroak” y “Pack Up”, excelentes cortes los dos.

Lake Trout

Lake Tout es una banda de Baltimore. Nacidos en 1994, y comandados por Woody Ranere en las vocales, empezaron su carrera como una banda más instrumental y jazzeada, para posteriormente experimentar más con el prog-rock y una carga robusta de riffs de guitarra. Tienen en su haber tres discos, de los cuales nos brincaremos el primero pues es el menos digerible, y créanmelo, son una banda camaleónica (nos enfocaremos más en su parte progresiva). Las letras son desesperanzadas en su mayoría, irónicas otras más, y el resto son delirios propios de Woody (no, no el de Toy Story). Podemos decir que Lake Trout es una banda bipolar: dinamismo y poder por un lado, y reflexiones depresivas por el otro.

Recomendamos especial atención a  “Systematic Self” y “Say Something”

Por Antifama

Lo mejor que pudo haber hecho Isobel Campbell en su vida es salir por patas de Belle & Sebastian y juntarse con Don Aguardiente (Mark Lanegan, el DIOS del grunge) y traernos un proyecto introspectivo. Música para manejar en carreteras desiertas con un futuro incierto y un pasado atormentado.

Por Homo Rodans

Hay veces que acaba estando uno en el lugar equivocado en la hora equivocada, y hay veces que acaba siendo todo lo contrario. Gracias a ese invento del hombre blanco llamado “viajes de negocios”, los eventos que a continuación narraré corresponden mayoritariamente al segundo tipo.

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Por Cultura UdG

Hace 15 años, tres conocidos músicos de la escena de rock mexicana subían al escenario en el segundo piso de un viejo edificio del Centro de la Ciudad de México. No era la primera vez que tocaban juntos, pero si la primera que tocaban ésta música en vivo, y la primera que se presentaban bajo un nuevo nombre.  Los músicos eran José Manuel Aguilera, Federico Fong y Alfonso André, y el nombre de la banda que esa noche nacía era La Barranca.

Desde entonces, la agrupación ha seguido uno de los derroteros más personales y distintivos en la historia de la música en México. Reconocida siempre por su solvencia musical, La Barranca encontró desde el principio también una voz propia, y supo cantarle a facetas de nuestra realidad de una manera que resulta inconfundible y totalmente mexicana. Ese sonido tan distintivo se ha enriquecido y diversificado con el paso del tiempo, con los aportes de numerosos músicos que han habitado sus entrañas y mediante un dominio cada vez mayor en el oficio de crear canciones propias y originales.  El resultado es una discografía imprescindible de más de seis álbumes, fervorosamente recogidos por su público y considerados siempre entre lo más importante de la producción nacional. Leer más

Por Diego Ramos

Un disco de rarezas gratuito, un disco nuevo que saldrá a finales de este año y su participación en el concierto homenaje a Genaro Palacios son parte de la celebración de los 10 años de vida de la agrupación.

La banda conformada por José Riaza, Luis Kampa, Ray Hernández y Pavel Azorín, nacida en Madrid y establecida en México hace más de siete años, celebra su décimo aniversario regalando un disco con rarezas, colaboraciones y lados B.

Pedaceras es el título del disco que se distribuye gratuitamente por la red y el cual incluye 15 temas inéditos y tres videos.

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Por Diego Ramos

La noche era todo lo debía ser; la lluvia auguraba un concierto que no olvidarían fácilmente los cientos de asistentes que se dieron cita en el F. Bolko, foro de la ciudad de Guadalajara que acogió a la banda sueca Diablo Swing Orchestra.

Tras una espera intensa, llena de cerveza, nervios, gritos y fotografías, la agrupación arribó al recinto. Sonrientes, contentos y saludando a los fans, se prepararon para comenzar a tocar a las 10 de la noche. Ni un minuto más, ni un minuto menos.

Los gritos fueron ensordecedores, las luces se apagaron y comenzó la fiesta.

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Por El Dese

Escuchar a Lush es quedarse suspendido entre el sueño y la conciencia, en una canción. Y en la siguiente, despertar con la neurosis que sólo una guitarra sumamente distorsionada y saturada puede crear. Y entre estos dos mundos, pasar de una letra aparentemente trivial a una más profunda, celestial, preocupada o desligada a una realidad aterradoramente grosera: el mundo.

Banda shoegazera, dreamy, facilita si gustan. Comandada por dos mujeres, Miki Berenyi y Emma Anderson, esta banda vivió casi siempre a la sombra de My Bloody Valentine, adorados por darketos y alternativos, y por adultos contemporáneos por igual. No vieron la luz de la fama mediana hasta su último disco (Lovelife, 1996) el cual les dio la entrada a Estados Unidos.

Además de este par de damas oscuras y psicodélicas a la vez, estuvieron en los tambores Cris Acland y en el bajo Steve Rippon, y en un principio (1988) otro guitarrista: Meriel Barham, quien dejara la banda al inicio para formar a los Pale Saints (banda de shoegaze también – ¡ya los hemos puesto en Antifama!).

La banda rápidamente llamó la atención de Robin Guthrie de Cocteau Twins, quien hizo uso de sus palancas para clavarlos en 4AD, una de las disqueras independientes de mayor respeto en los 90. Con una estrategia a través de EP’s Lush fue haciéndose un lugar en la escena inglesa, abriendo conciertos y finalmente, teniendo los propios.

El ruido fue inminente: llegaron al Festival de Glastonbury, y compilaron sus EP’s en un álbum (Gala, 1990). Es un álbum susurrante, un tanto principiante y fantasioso y con cierta baja fidelidad. Le siguieron Spooky un disco más dormilón aunque con temas dinámicos, y Split, su disco más logrado y el cual hacía justicia a algunas experiencias personales de Berenyi (I know you think it’s wrong / And maybe you’re right but this is my song) canta en “Hypocrite”.

Finalmente cerraron con Lovelife, un disco más fácil de digerir y el que finalmente podía detonar su acceso a la alfombra roja. Sin embargo Acland decidió quitarse la vida colgándose en casa de sus propios padres y Lush, los jugositos, cerraban su vida con una tragedia.

Actualmente Emma Anderson es de quien se sabe más, quien hizo pareja musical con Lisa O’Neill y formó Sing-Sing, una banda de dreamy pop bastante recomendable.

Por Tonan

Hace 44 años nació en los Estados Unidos un cantautor, hace 13 que falleció. Jeff Buckley (hijo de virtuoso músico de Jazz, Tim Buckley, quien fallece a la edad de 28 años) es una de esas leyendas que marchan en silencio en nuestros oídos. Lo escuchamos en cantantes famosísimos quienes reconocen su influencia en su estilo de música (los que menos piensa usted), de voz y que incluso lo han versionado a manera de homenaje, todo enmarcado en una de esas épocas que igual que los 60 es misterio y muerte de prodigios: los 90.

Considerando como genio y revelación con su primer y único álbum (Grace, 1994) Buckley, cuyo objetivo en la vida era simplemente tocar la guitarra, fallece a los 30 años ahogado en el río Wolf River Harbor, Memphis, Estados Unidos., dejando una variedad infinita de lados B, grabaciones raras y demos que inundan un mercado que, con el trabajo de los años y un ganchito, se ha convertido de culto.

Poseedor de un estilo ecléctico que va desde jazz, blues, soul, hasta experimentos con heavy metal pasando por baladas, tesitura que cubría 4 octavas y media (bajando y subiendo en la escala a voluntad y sin complejo), letras mas bien poéticas y actitud desenfadada de un “hombre natural”, busca lugares en dónde tocar sus composiciones hasta que logra colocarse como músico de planta en un café de Nueva York de nombre Sin-è, finalmente descubierto ahí por una disquera trasnacional.

Defensor de su integridad musical hasta el final tomando como inspiración a figuras como Nina Simone, Édith Piaf y Leonard Cohen, logró participar en festivales musicales tan importantes como Glastonbury y en general el catálogo festivales de verano europeos de 1995, tocó en Paris Olympia (lugar enigmático para la música francesa) y hasta tuvo varias actuaciones en afamado canal de música.

Jeff Buckley, un vacío en la memoria de los años 90, un nombre inexistente en la boca de las nuevas generaciones, no obstante admirado e imitado por los artistas que todos hemos escuchado aunque sea una vez en nuestras vidas.

Por Diego Ramos

Hacer una reseña de pocas líneas para éste disco es una insolencia total. Y es que éste en especial tendría que llevarse el galardón al mejor disco de los últimos 10 años –y sin exagerar-.

In Rainbows tiene varios principios y muchos finales. Al escucharlo se tiene la sensación de que se partió de casa a un lugar cósmico y confortable. Cierto grado de nostalgia carga los sentidos cuándo recordamos al primer Radiohead, aquel de The Bends de guitarras eléctricas. De pronto, los elementos electrónicos, la voz calmada y la atmósfera que nos transporta a otras orbes, nos dicen que el mundo ya no es los mismo después de haber escuchado temas como “All I Need”, “Reckoner” o “House of Cards”. Un poema que se recita en 10 canciones, un armónico arcoíris, una banda sonora para nuestros sueños ¿quién no querría soñar con esto?

Como por arte de magia consigo despertar y me doy cuenta que todo terminó ¿repeat? Ahora el disco cambia completamente, no es nostalgia, es felicidad y el sueño cambia, y el mundo cambia y Radiohead no. Es el mismo disco y yo soy mil personas cada vez que escucho éste poema que se recita en 10 canciones. You are all I need.

Radiohead.com

Cultura UdG

A lo largo de casi tres décadas, José Fors ha dedicado buena parte de su tiempo a la composición e interpretación de piezas rocanroleras. Muchas de ellas gozan actualmente de bastante difusión y popularidad, y otras tantas, sobre todo las de sus primeros proyectos, habían permanecido alejadas de reflectores y convertidas por fanáticos de la vieja guardia en rolas de culto.

Como una forma de recuperar ese trabajo, darles el valor que merecen y ponerla en oídos del público nuevamente, Fors se dio a la tarea de hacer una selección del material más representativo, reinterpretarlo y editarlo a manera de antología en tres volúmenes discográficos.

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Por Diego Ramos

Fue hace tres años que Roger Waters presentó su obra maestra Dark Side of The Moon en el estadio Tres de Marzo de la ciudad de Guadalajara; a finales de este 2010 regresará con tres fechas al Palacio de los Deportes de la ciudad de México en su gira de The Wall. Buen momento para desempolvar esta vieja crónica de aquel mítico concierto.

Una tarde calurosa de domingo, cientos de personas se agolpan en una entrada que parece estrecha de tanta gente que se escabulle entre las rejas, personal de seguridad y cientos de latas de cerveza que yacen en el suelo. Falta más de una hora para que la luna gire y nos muestre su lado más oscuro. Falta más de una hora para que reviva toda una historia; el sol comienza a esconderse tímidamente detrás de los edificios de la ciudad, un buen inicio para ensombrecer nuestras carnívoras ansias de rock.

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Por Redacción El Descafeinado

Aunque oficialmente la banda se separó en 2002, Ceci Bastida, Teca García, Jorge Velázquez, Jorge Jiménez y Alejandro Zúñiga realizan de vez en vez algún concierto como homenaje a Luis Güereña, vocalista y percusionista fallecido en 2004.

En esta ocasión, la banda más representativa de la ciudad fronteriza, hará bailar con su ska-rock a los asistentes del Auditorio Municipal de Tijuana el próximo 31 de julio con la celebración de sus 20 años de existencia.

Con tres tres álbumes de estudio No (1990, reeditado en 1992),  Transgresores de la Ley (1994) y Contra Revolución Avenue (1999); uno en vivo grabado en Bilbao, España en 2000 y el compilado Lo Mejor de Tijuana NO! de 2001, Tijuana No! se convirtió desde su fundación en una de las propuestas de protesta social más contundentes del rock mexicano.

Fue en el pasado festival Vive Latino cuando pudimos ver a Tijuana No! reunidos junto a Julieta Venegas, ex integrante de la banda, interpretando “Pobre de ti” aquel gran éxito que le daría la vuelta México, Latinoamérica y Europa.

Actualmente varios integrantes de la agrupación trabajan en sus propios proyectos como Tijuanos de Teca García o Ceci Bastida quien está trabajando en la promoción de su segundo disco como solista titulado “Veo la Marea”.

Parece que los tijuanenses no tienen planeada una gira ni un disco próximamente, aunque habrá que estar pendientes de sus proyectos ya que en una de esas nos sorprenden.

Por Sam

En la década de los sesenta, entre el uso extenso de drogas y la experimentación de estilos de música, sale el género del folk, con bases en la música country, el cual tenía un renacimiento gracias a las estrellas de los cincuenta como Johnny Cash y Loretta Lynn.

Con letras de relevancia social y búsqueda de paz, el folk se caracterizo por tener voces no siempre muy buenas, pero sí letras interesantes. Como reacción a este exceso de servilismo a la sociedad y de querer dárselas de muy bueno, nace el antifolk en la década de los ochenta en los bares bohemios de Nueva York.

El sonido acústico del folk se mantiene, pero la mentalidad punk toma las riendas, experimentando con géneros como el progresivo (Wilco), el country (Ryan Adams, Whiskeytown) y el lo-fi (Moldy Peaches). Siguen habiendo letras interesantes, pero ahora contienen un alto grado de cinismo, rara vez tomando en serio el tema que se trata, pero eso sí, diciendo las cosas como son.

El patriotismo del country es reemplazado por una visión más realista, criticando el estado de las cosas y la torpeza del sistema. La pasividad del folk es defenestrada, a veces ahogándonos en el rencor, a veces simplemente recurriendo a los alcoholes (o similares) para hacer el dolor un poco más pasajero.

El antifolk nunca se toca el corazón para romperte tus esperanzas. Agarren un alcohol, sírvanse un shot de bourbon y bajen el sombrero vaquero lleno de estoperoles mientras escuchan a músicos que no necesitan distorsión para estremecerte.