Por Homo Rodans

Hay veces que acaba estando uno en el lugar equivocado en la hora equivocada, y hay veces que acaba siendo todo lo contrario. Gracias a ese invento del hombre blanco llamado “viajes de negocios”, los eventos que a continuación narraré corresponden mayoritariamente al segundo tipo.

Leer más

Por Diego Ramos

La noche era todo lo debía ser; la lluvia auguraba un concierto que no olvidarían fácilmente los cientos de asistentes que se dieron cita en el F. Bolko, foro de la ciudad de Guadalajara que acogió a la banda sueca Diablo Swing Orchestra.

Tras una espera intensa, llena de cerveza, nervios, gritos y fotografías, la agrupación arribó al recinto. Sonrientes, contentos y saludando a los fans, se prepararon para comenzar a tocar a las 10 de la noche. Ni un minuto más, ni un minuto menos.

Los gritos fueron ensordecedores, las luces se apagaron y comenzó la fiesta.

Leer más

Por Diego Ramos

Hacer una reseña de pocas líneas para éste disco es una insolencia total. Y es que éste en especial tendría que llevarse el galardón al mejor disco de los últimos 10 años –y sin exagerar-.

In Rainbows tiene varios principios y muchos finales. Al escucharlo se tiene la sensación de que se partió de casa a un lugar cósmico y confortable. Cierto grado de nostalgia carga los sentidos cuándo recordamos al primer Radiohead, aquel de The Bends de guitarras eléctricas. De pronto, los elementos electrónicos, la voz calmada y la atmósfera que nos transporta a otras orbes, nos dicen que el mundo ya no es los mismo después de haber escuchado temas como “All I Need”, “Reckoner” o “House of Cards”. Un poema que se recita en 10 canciones, un armónico arcoíris, una banda sonora para nuestros sueños ¿quién no querría soñar con esto?

Como por arte de magia consigo despertar y me doy cuenta que todo terminó ¿repeat? Ahora el disco cambia completamente, no es nostalgia, es felicidad y el sueño cambia, y el mundo cambia y Radiohead no. Es el mismo disco y yo soy mil personas cada vez que escucho éste poema que se recita en 10 canciones. You are all I need.

Radiohead.com

Por Diego Ramos

Fue hace tres años que Roger Waters presentó su obra maestra Dark Side of The Moon en el estadio Tres de Marzo de la ciudad de Guadalajara; a finales de este 2010 regresará con tres fechas al Palacio de los Deportes de la ciudad de México en su gira de The Wall. Buen momento para desempolvar esta vieja crónica de aquel mítico concierto.

Una tarde calurosa de domingo, cientos de personas se agolpan en una entrada que parece estrecha de tanta gente que se escabulle entre las rejas, personal de seguridad y cientos de latas de cerveza que yacen en el suelo. Falta más de una hora para que la luna gire y nos muestre su lado más oscuro. Falta más de una hora para que reviva toda una historia; el sol comienza a esconderse tímidamente detrás de los edificios de la ciudad, un buen inicio para ensombrecer nuestras carnívoras ansias de rock.

Leer más

Por Windigo

Son tantas las cosas que podría decir sobre Korn (y casi siempre negativas) que necesitaría varias horas para decirlas todas y acabar enfadado. Así que en vez de eso voy a ceñirme a la sobriedad del guión.

Durante los últimos 12 años, escuchar un disco de Korn ha sido una tarea realmente dura. Lo digo con la experiencia que me confiere el haber escuchado todos sus trabajos hasta la fecha. Seamos serios, hay que tener verdaderas ganas o más moral que el Alcoyano para soportar discos tan infames e ignominiosos como Untouchables, Take a Look in the Mirror, See You on the Other Side y Untitled. Y creo que me estoy pasando de benevolente al no censurar también Follow the Leader e Issues.

Dicho todo esto, ¿qué sentido tiene que un tío de casi treinta octubres se ponga ahora a hablar sobre un grupo que está ya más muerto que la propia muerte? Pues muy sencillo: lo que ocurre es que uno es un sentimental y no deja de recordar siempre con cariño aquella maravillosa juventud, en la que Korn y Life is Peachy representaban el catecismo diario. Eso y sólo eso es lo que le ha llevado a este pusilánime descerebrado a darle al menos una escucha a todos y cada uno de los discos que Korn han ido sacando desde Life is Peachy. ¿El resultado? Para llorar primero y olvidar después…

Sin embargo esta vez había un aliciente que lo cambiaba todo: la vuelta de Ross Robinson a la producción. Vale, es cierto que Korn ya no es Korn, que han pasado muchas cosas, que por el camino salieron “najando” Head y David Silveria. En resumen: que la habitación huele demasiado a podrido. Pero sabiendo que volvía Robinson, el artífice de los dos primeros discazos, ¿cómo no escuchar al menos una vez este nuevo álbum? Tenía que hacerlo.

Lo que me he encontrado es un disco que debería de haber sucedido a Life is Peachy. No en vano se llama Korn III: Remeber Who You Are, pues los mismos componentes de la banda han llegado a confesar que se trata del tercer disco de los verdaderos Korn (¡tendrán morro!). Es cierto que no está a la altura de Life is Peachy ni menos aún del homónimo debut. Parece además (como suele suceder en estos casos) que el grupo se autoplagia en algunos momentos del disco, pero ¿qué queréis a estas alturas y con la casa tan “manga por hombro”? Al menos este nuevo trabajo es verdaderamente digno, algo que no se puede decir de ninguno de sus predecesores desde 1999. ¡Pero, ojo! No exageremos, pues después de tantos años de sinsabores, este disco puede aparecerse como un trabajo mucho mejor de lo que es, cuando no se trata más que del desliz que los fans habrían perdonado a Korn después de Life is Peachy.

Unas baterías estilo Korn de los 90, un Munky especialmente oscuro y agresivo a las guitarras y una voz que nos devuelve al primer John Davis en cuanto a ferocidad y a giros vocales, hacen de Korn III una digna continuación de sus dos primeros discos. Por desgracia, nadie va a quitarle ya de la cabeza a John Davis esa estúpida idea de que puede ser capaz de cantar, así que hay que tragar con ello en casi todos los estribillos, pero al menos es de agradecer que Ross Robinson haya conseguido hacerle gritar después de 13 años. ¡Qué lástima! Si Davis se hubiese dado cuenta antes de lo mal que canta y de lo bien que solía gritar, quizás nos hubiéramos ahorrado seis discos consecutivos vocalmente patéticos.

En definitiva, que si Diamond Eyes de Deftones ha llegado demasiado tarde, no digamos lo tarde que ha llegado este Korn III: Remeber Who You Are. Casi parece una broma para tocarnos las narices a los que ya peinamos canas. Pero el hecho es que ha llegado lo más parecido al disco que algunos esperábamos desde hace 13 años. Y como dice el refrán “más vale tarde que nunca”. La pregunta es: ¿serás capaz de hacer como yo y prestarte a escucharlo aunque sea una sola vez y no sepas por qué lo haces?

El Descafeinado Radio

Descargar el archivo

Por Diego Ramos

El Teatro Experimental de Jalisco se llenó de rock. La banda Zanate y Asociados presentó Trilogía Sacra; una recopilación de sus discos: Réquiem (2001), Magnificat (2003) y Stabat Mater (2009) en donde mostraron una fusión de rock progresivo y música sacra con excelentes arreglos corales y de cuerdas, sin duda una experiencia diferente.

Leer más

Por Paco Pavón

Probablemente si una hecatombe nuclear asolara el Planeta Tierra, los únicos en sobrevivir serían las cucarachas y Scott Weiland. Adicciones, divorcios y encarcelaciones no han conseguido bajarle de los escenarios y, lo que es más sorprendente, no han conseguido acabar con la paciencia del resto de los pilotos del templo de piedra.

De este modo, Stone Temple Pilots regresan con un disco homónimo como sexto trabajo de estudio y sobre el que reconozco sentía curiosidad. Finalmente y tras varias escuchas tengo claro que se trata de un retorno con minúsculas

El disco empieza bien con ese buen y animado single llamado “Between the lines”, con un mini plagio de Stay Away de Nirvana a modo de puente incluido. “Take a load off” resulta un tema bastante solvente que podría estar perfectamente en Nº4 . A partir de aquí la cosa empieza a flojear, alternando rock festivo o de bar de carretera con intentos de beatlelada y sólo ofreciendo buenos momentos cuando Dean Deleo saca el catecismo ledzeppeliano, como por ejemplo en “Haze Daze”. Quizá salvaríamos también “Samba Nova”, un tema muy de cierre de disco de STP, eso sí teñido esta vez de ritmos brasileños.

En definitiva, los Pilots me despidieron como fan en Nº4 y nunca volverán a hacer discos tan buenos y emocionantes como Core, Purple o Tiny Music. Algo que ya intuía pero que, supongo que por lo mucho que me siguen gustando temas como “Interstate Lovesong”, “Vasoline” o “Big Empty”, necesitaba comprobar.

Stone Temple Pilots en MySpace

Por Juan Klabaza

Quince minutos después de las nueve de la noche del pasado domingo 16 de mayo, hizo presencia en el escenario, colocado en la plancha de la Plaza Liberación, el cuarteto argentino-uruguayo Bajofondo Remixed, DJ Live Set.

Dentro de la celebración del 13° Festival Cultural de Mayo de la ciudad de Guadalajara, fueron 15 piezas las que hicieron mover a las poco más de cuatro mil personas que se dieron cita al bailongo; y aunque una gran mayoría de los asistentes no sabían lo que en ese momento estaban observando, eso no importó para que tomaran a su pareja y se pusieran a mover el trasero al ritmo de los beats y la mezcla de música popular rioplatense.

Bajofondo Remixed, DJ Live Set, lo forman Pablo Bonilla (DJ), Javier Casalla (violín), Gabriel Casacuberta (bajo) y Martín Ferres (bandoneón), todos músicos integrantes de Bajofondo, que en este proyecto se juntan para remezclar temas del grupo y darle una mirada alternativa a la música electrónica-tradicional.

Por Diego Ramos

Encontrarse con este tipo de fusiones es raro. Más raro es ver a Alejandro Marcovich, ex guitarrista de una de las bandas más relevantes e influyentes del rock mexicano como lo fue Caifanes, calmado, de pie y esperando subir al escenario en el centro de la ciudad de Guadalajara. Entonces, un amigo me comenta que aquel hombre junto a la consola se parece a Alejandro Marcovich “el de Caifanes güey ¿te acuerdas?”, atesta emocionado. Yo simplemente sonrío.

Es raro ver como una banda como Paseo Plesir recorre una amplia gama de estilos sin perderse. Es difícil comprender a una banda de pop maquillada con jazz, rock, folk e ilimitadas posibilidades recorrer un trayecto sonoro sin caer en clichés comerciales ni prejuicios musicales; sino que se trata de un confortable y armonioso camino que pacientemente desvela paisajes, momentos y personas.

Pero vayamos por partes.

Paseo Plesir es una banda formada hace relativamente poco tiempo en Guadalajara, sus integrantes, provenientes de distintos estilos musicales, muestran los recorridos de un proyecto que camina  feliz e ilusionado -cual adolescente- a través de un happy pop suave e incluso dulce. La banda, formada por Alheli en la guitarra y voz, El Zorro al bajo, Dani en el piano y los teclados, Víctor en la batería y Fer con la trompeta, no escatima en experimentar ni en mostrar su capacidad de crear ese camino feliz, tranquilo, solitario y melancólico.

Alejandro Marcovich, como decía anteriormente, es uno de los guitarristas que más influencia han tenido en las bandas de rock mexicanas en los últimos 20 años. Caifanes logró abrirse paso entre las multitudes  y llegar a ser uno de esos grupos de culto que perdurarán por siempre. Si no lo creen, vayan a una borrachera preparatoriana o a cualquier rockola de bar, y verán que todos sus grandes éxitos suenan a lo largo de la distancia del tiempo.

Marcovich acompañó en el trayecto a Paseo Plesir, su guitarra jugaba con las atmósferas, envolvía sus rolas con solos y mostraba las formas aún no visibles en su música. Enriquecía el momento y mostraba una compenetración musical de gran nivel en el escenario.

Eran pocos aquellos que pudieron disfrutar de este concierto, gratuito y en la calle, y estoy seguro que esas personas que lo vivieron pudieron escuchar y observar que Paseo Plesir busca retomar lo esencial de un género ya bastante denigrado, un pop-rock sin pretensiones, distante de los convencionalismos y que junto a su talento, y bajo la visión de Alejandro Marcovich, pueden llegar muy lejos.

Myspace de Paseo Plesir

Myspace de Alejandro Marcovich

Por El Fish

“YO NO ME LLAMO JETHRO TULL, MI NOMBRE ES IAN ANDERSON”. Decía drástica y resueltamente el líder, vocal, compositor y alma del grupo de Jethro Tull en entrevista de 1975.

Pero el despiste sigue y seguirá ahí, pues esta aclaración graciosa e inocente del fenómeno de la flauta acaba por agotarse en una expresión candorosa, inocente, y tierna por si misma (si no fuera así, tendría yo que hacer cita para el psicoloquero) pues resulta imposible concebir un Jethro Tull sin Ian Anderson y un Ian Anderson sin Jethro Tull.

“YO NO ME LLAMO JETHRO TULL, MI NOMBRE ES IAN ANDERSON”. Esta clara confusión y problema de identidad por parte no solo del público y prensa, sino de nuestro mismísimo héroe de la flauta traversa, a quien no le importó en un principio que alguien en las oficinas de su representante tuviera la flamante ocurrencia de sugerir Jethro Tull como nombre del grupo; por el contrario, les divertía, pues gustaban cambiarle eventualmente el nombre al grupo, pues así, según ellos, tenían más chamba en clubes nocturnos. Es decir, cuando éstos eran despedidos se ofrecían otra vez con nombre distinto y los contrataban nuevamente porque pensaban que eran tipos diferentes. “Jethro Tull” no seria ni el primero ni el último que usarían por esas épocas sesenteras y demás venideras…

Leer más

Por Diego Ramos

Fueron pocos los asistentes a la presentación del nuevo disco de Troker El Rey del Camino. Y aunque la concurrencia no llenó el foro, la calidad de esta fue lo bastante vibrante para que la banda de jazz-fusión-un chingo-de-cosas tapatía lo dejara todo en el escenario del Teatro Diana.

Con la colaboración en vivo de Adrián Terrazas -The Mars Volta- y Chemín -Plástiko-; Frankie Mares, Gilberto Cervantes, Samo González, Arturo “El Tiburón” Santillanes, Christian Jiménez y DJ Rayo mostraron que el jazz no es incompatible con otros géneros y que puede ser accesible y generar un excelente respuesta por parte del público.

La banda tocó todos los temas del nuevo disco; sonidos distintos recorrieron los diversos paisajes experimentados a través de un CD/DVD con 10 videos producidos exclusivamente para cada una de las rolas.

Leer más

The Flaming Lips versionan a Pink Floyd

Un disco imperdible, uno de esos que vale la pena conseguir de cualquier forma, bajo cualquier consigna, es el disco tributo que los Flaming Lips hacen del mítico y legendario Dark Side of The Moon de Pink Floyd de 1973.

Esta reinterpretación -un término que se ajusta perfectamente- de uno de los mejores discos conceptuales de rock psicodélico de la historia, es una delicia sonora. Sí. Dije bien, una delicia sonora.

Sin pretensiones y sin olvidar la esencia, pero dando un sonido novedoso, la banda formada en Oklahoma en 1983 despega hacia el lado oscuro de la luna, claro, utilizando otra ruta.

The Flaming Lips and Stardeath and White Dwarfs with Henry Rollins and Peaches Doing The Dark Side of the Moon es el título original de este LP editado en diciembre de 2009, unas semanas después de que Embryonic, el más reciente álbum inédito de los Flaming Lips y uno de los mejores discos de aquel año, según las revistas especializadas, viera la luz.

Tal y como dicta el título de disco, los Flaming van acompañados por la cantante canadiense Peaches, Henry Rollins -Black Flag, Henry Rollins Band- y la banda Stardeath & White Dwarfs.

Con un sonido eléctricamente sucio, voces alucinógenas y mucha energía, el disco es altamente recomendable. No dejen de escuchar “Time/Breathe” con Stardeath y White Dwarfs, es el tema más completo, delirante y exquisitamente cautivante.

Imperdible de 4 estrellas (de 5)

Tracklist:
“Speak to me”/”Breathe” (feat. Henry Rollins & Peaches)
“On the run” (feat. Henry Rollins)
“Time”/”Breathe (Reprise)”
“The great gig in the sky” (feat. Peaches & Henry Rollins)
“Money” (feat. Henry Rollins)
“Us and them” (feat. Henry Rollins)
“Any colour you like”
“Brain damage” (feat. Henry Rollins)
“Eclipse” (feat. Henry Rollins)

The Flaming Lips and Stardeath and White Dwarfs with Henry Rollins and Peaches Doing The Dark Side of the Moon | Warner Bros | 2009.

John Frusciante. The Empyrean (2010)

Por Paco Pavón

Hace unos meses nos enterábamos que John Frusciante, abandonaba de nuevo Red Hot Chili Peppers, esta vez para dedicarse de lleno a su carrera en solitario. Una nueva manifestación más de la naturaleza de un músico que pese a haber estado a punto de echarlo todo a perder por su adicción a la heroína, volvió de las entrañas de la bestia con talento renovado.

Desde luego, pese a contar con momentos que puedan recordarnos a otros de su discografía más reciente, en The Empyrean el guitarrista angelino se esmera para ofrecernos una mayor sofisticación instrumental y una producción mucho más cuidada.

El disco comienza de manera inmejorable con esa delicada jam llamada Before the Beginning. A reglón seguido, Frusciante nos ofrece una íntima y sentida versión del “Song to the Siren” del gran Tim Buckley. “Unreachable”, el tercer corte y claramente influido por los mejores del género progresivo, nos regala sin duda uno de los más brillantes momentos del disco.

Llegados a este punto, The Empyrean se torna más experimental: “God”, se revela como un interesante tema con un falsete marca de la casa y que alterna una elegante sección de cuerda con una enérgica parte genuinamente rockera; mientras que por su parte “Dark/Light”, comienza con piano clásico, después sorprende con una caja de ritmos de “estar por casa” y acaba convertida en himno gospel. A continuación “Heaven” nos muestra a un Frusciante más cercano al sonido de sus últimas composiciones para RHCP, para dar paso a dos de las mejores canciones del álbum: La estupenda “Enough of Me”, con esa parte instrumental final que camina entre lo latino y lo ruidista y la soberbia Central, un auténtico temazo de excelente melodía, gran talento en los arreglos y apoteósico final.

Y para cerrar, Frusciante nos sorprende con un gravísimo registro vocal en “On More of Me” y se despide con una buena dosis de psicodelia con la etérea “After the Ending”.

En definitiva, The Empyrean nos deja un muy buen sabor de boca y nos vuelve a demostrar la calidad de Frusciante como músico y compositor. Ojalá siga proponiéndonos canciones tan interesantes y sinceras como estas, ahora que parece haber dejado definitivamente ese rock de estadio algo devaluado que últimamente venían practicando los Peppers.

John Frusciante en MySpace